Charla de luciana achugar con el público, mediada por Lucía Naser, desgrabado y editado por Tamara Cubas

Entre otras creaciones de luciana, podemos hablar de Super Ella, que ha sido una de las primeras, A Super Natural Return to Love, que es el título original de Un retorno al Amor Super Natural y Necesario del 2004, Exhauting love, a Dance Space Project, que es un proyecto realizado para un lugar específico y comparte algunos elementos con Un Retorno al Amor Super Natural y Necesario que vimos hoy.
Luego Franny & Zooey , The Sublime is Us, y la que será estrenada en Mayo del 2010, llamada Puro Deseo.
luciana ha colaborado con varios artistas de Nueva York y otros como Marcelo Evelin, y las propias colegas que han hecho una trayectoria en común. También ha bailado para Jeremy Nelson, entro otros.

Lucia- luciana vos hablás de tu obra como un todo pese a que las dos obras vistas hoy (Un Retorno al Amor Super Natural y Necesario y Franny & Zooey) tienen un punto de partida totalmente diferente.

luciana- Todo esto empezó mas o menos con la primera obra, trabajar con un grupo de mujeres usando uniformes, en la primera se presenta como un manifiesto, y de ahí las obras siguientes han sido una continuación, con la misma cantidad de mujeres. Como una fantasía de construir, de ir armándote un ser al crear una pieza nueva. Cada obra es como el próximo capítulo. La obra que hice luego de la primera (Exhauting Love), acá la salteamos, es la continuación de las ideas de la primera, las mismas bailarinas. El proceso creativo es como respuesta a la anterior, lo que funcionó y lo que no.

Lucia- Un tema que atraviesa tu producción son las relaciones de poder, relaciones jerárquicas. Vos señalas tu interés de quebrar esas estructuras y dejar que la experiencia del colectivo sea el propio contenido de la obra.

luciana- Estoy tratando de una especie de transparencia en el producto de la obra. En Un retorno . . ., era la primera vez que trabajaba con un grupo grande. No tenía mucha experiencia como directora y me sentía muy incómoda en esa situación de directora, en gran parte por esa situación de poder de decirle al otro lo que tiene que hacer. Por una cuestión quizás de la historia de la danza en la que el bailarín siempre es tratado como una persona sin cerebro porque tiene cuerpo, porque tiene habilidades es su cuerpo, como que no puede pensar. El coreógrafo es como una especie de maestro, que lo sabe todo. Y yo cuando estoy en un proceso creativo, no se nada, estoy totalmente confundida, no se que estoy haciendo. Me es imposible no transmitirle eso a los bailarines. Me es imposible hacerme la que me se todo. También que en una cuestión de grupo, me incomoda darle un solo a una bailarina, como diciendo que ella es mejor que la otra o algo así. Entonces resolví ponerles a todas lo mismo, y ya solucioné el tema.
A partir de allí me di cuenta de que todos esos problemas psicológicos existen en nuestra sociedad, problemas de poder y allí comienzan a surgir mas contenidos en las relaciones entre el bailarín en el mundo de la danza, la danza en el mundo del arte que siempre queda abajo. Como que hay menos teoría en relación a la danza, como que es nuevo. En fin, un montón de cosas que comienzan a entrar en el proceso y aparecen en la obra.

Lucía- Aparece por momentos en tu obra un discurso en relación al propio lenguaje de la danza, un discurso desplegado desde lo femenino.

luciana- Yo no comencé a hacer coreografías pensando en ser una coreógrafa feminista, que ese iba a ser mi aporte a la danza. Yo quiero comenzar desde el cuerpo, siempre hay un cuestionamiento conceptual, pero siempre intento llegarle desde el cuerpo, desde un lugar mas intuitivo, menos racional. Soy mujer, tengo cuerpo de mujer, y comienzan a surgir cosas que tienen que ver con la identidad. La primera obra son como transformaciones de distintas formas de ser mujer, o distintos momentos del rol de la bailarina en relación con el público. Estoy trabajando desde el punto de vista intuitivo, no menos ingenuo. Una vez que aparecen los contenidos me doy cuenta de lo que están diciendo. Trabajar desde el cuerpo es algo bastante feminista, porque estoy partiendo desde un lugar que en nuestra sociedad se valoriza menos.

Público- En Franny & Zooey mostrás casi el 80 porciento de la obra el cuerpo desnudo, especialmente una zona del cuerpo que normalmente no usamos para expresarnos. ¿Qué quiere decir en relación a la representación del cuerpo femenino en la sociedad?

luciana- En esa obra me comencé a interesar en lo mas animal. No es algo que surgió antes. Yo estaba en un estudio donde había gatos, siempre los quería echar porque me da alergia. Hasta que los acepté y los comencé a filmar. Allí me di cuenta de que es eso lo que estaba buscando, el gato lo tiene.
También lo feminista siempre ha estado allí, pero lo que me interesa es ir mas allá de eso. Creo que se desvaloriza en lo femenino lo intuitivo, el ser menos clara, menos racional, menos lineal. Eso también sucede con los animales. Todo lo que tiene que ver con el cuerpo, lo carnal, lo orgánico me parece fascinante, creo que hay que revalorizar. Mi interés es una des-civilización de mi ser.

Lucía- Tu hablas de tiranía del intelecto. ¿Cómo trabajas esto en coreografías bastante formales y que usan un vocabulario reconocido de la danza?

luciana- Franny & Zooey es una obra super conceptual, estuve todo el tiempo pensando y pensando. Yo digo que soy muy intuitiva, pero soy bastante conceptual. No soy blanco o negro. En cuanto a la danza, la única razón por lo que todavía me interesa la danza, es que es desde el cuerpo. Le sigo preguntando al cuerpo que tiene para decir hoy. Una de las cosas que quiere hacer uno es moverse. Yo tengo un bebé de 9 meses, la razón por lo que comienza a moverse es el deseo. El deseo es lo que te lleva al movimiento. Todavía me interesa de una forma ingenua encontrar un vocabulario. Encontrar por qué me interesa la danza, por qué me interesa bailar, por qué decidí hacer esto con mi vida. Si lo decidí me parece que tengo que llegar a algo interesante.

Público- Vi una madre, quería saber si trabajaste con ese material de la maternidad.

luciana -Estas dos obras son anteriores a ser madre. En Un retorno . . . hay escenas que las veo ahora y solo puedo pensar en el parto, pero en ese momento no. Creo que es un poco cursi pero yo hago desde mi cuerpo que es mujer y hay algo universal que lo que sale para afuera puede ser parto o maternidad y que es universal.

Público-En la primera obra vi algo mas obsceno que maternal. Vi algo de la mujer prohibiéndose la maternidad.

luciana- La hice en un momento que estaba soltera

Público- En los medios de comunicación hay una saturación de discursos sobre la mujer, sobre el cuerpo de la mujer. Mas que obscenidad, la obra es un contra-discurso de ese existente. Hay una enunciación del cuerpo de la mujer que habitualmente no se habla. Del cuerpo de la mujer en esa situación. La enunciación del parto era evidente, pero no familiar. La sangre apareciendo por todos lados.
Son diferentes ambas obras. En Un retorno . . . me está tratando de explicar lo que te pasa y en Franny & Zooey está tratando de decirme lo que quiero. sacarme la ropa, bailar todas en cuero, pasarla bien y no me jorobes. Si querés mirar bien y si no también.

luciana- Para mi eso está en las dos obras, ambas hablan de la mirada del público. De repente el rol de la mirada del hombre a la mujer en la sociedad. Yo no le tengo que explicar al espectador mi punto de vista. Pero desde donde yo lo hago en realidad todo lo femenino no aparece de una forma que yo decida decirlo, lo que me interesa es la convención sobre que es el teatro, la mirada del público, cuál es el deseo del público. Lo sexual aparece porque en el teatro hay algo sexual, en el hecho que yo esté aquí y ustedes mirando, de alguna manera hay algo sexual. En ustedes hay deseo cuando van al teatro y en mi cuando estoy creando. Pero mis preguntas son en relación a la danza, que es hacer danza. Con el tema de la sangre me han dicho que es sobre el aborto, o la menstruación, pero no fue esa mi motivación. Qué es lo que nos hace sentir, el dolor. La sangre te hace pensar en dolor y el dolor te hace pensar en que estás vivo. La experiencia del dolor, es la experiencia mas individual. Uno no puede expresar el dolor con palabras. Hay algo en la danza que no se puede expresar con lenguaje verbal, sino hago teatro que está mucho mejor, o televisión o cine. Podés hablar mas fácilmente con texto. A mi lo que me interesa es ese lugar, como en el que uno está cuando siente dolor. En USA te preguntan cuánto siente de dolor del 1 al 10, no se como la gente puede medir eso. Es desde eso que yo quiero hablar, en lugar de cómo son los hombres o las mujeres.

Lucia- ¿Qué propósitos haz experimentado vos en eso de la mujer y la bailarina?

luciana- El parto, es el momento en que estaba mas presente en mi experiencia. Lo he sentido en escena también, estar totalmente presente en mi experiencia. En nuestra sociedad por ciertos roles, o experiencias biológicas la mujer está está mas cerca de eso.

Público- Ese muro con rojo, es exactamente lo que dijiste, dolor. Pensé, himen roto no es, menstruación no es, o sea es dolor. Es hermoso.

Público- Lo que tiene el arte justamente es que el espectador puede ver distintas cosas. Yo vi mas el placer. Lo salvaje . . . como cuando están de espaldas llorando, como unas brujas, un gran aquelarre. Eso es lo interesante, que abre posibilidades a cada uno.

Lucía- Volviendo a la relación con el espectador, vos hablas de tocar a la audiencia y contagiar a través del movimiento, como una empatía quinestésica. ¿Qué buscás?

luciana -No es solo dolor, es placer también. Ahora por ejemplo he estado explorando el placer, el deseo. Todos sabemos que bailamos para celebrar para sentirse bien. Hacer un espectáculo para que alguien lo vea para mi es un acto de querer compartir algo. Nunca siento que es suficiente. Por eso esta idea de tocar al público, no figurativamente. En Franny & Zooey toco a la gente de la primera fila. Como que siempre quiero mas intimidad. Me gustaría que la gente se pusiera en círculo y se abrazara, pero es muy hippie y no muy interesante, entonces hay que buscar otro modo. Como una especie de fantasía, describe un poco lo que uno busca cuando hace una puesta en escena.

Público- ¿Por qué Franny & Zooey?

luciana- Los gatos del estudio se llaman así. Les pregunté a los dueños para ponerlos en el programa y cuando me dijeron Franny & Zooey, me pareció fantástico. Hay una novela de Salinger que se llama así que a mi me encantó. Me influyó mucho, es muy existencial y esta obras es existencial, se mira a si misma.

Lucia- Respecto a los elementos de identidad visuales que elegís, como la sangre, los dedos y las túnicas, ademas del movimiento hay como una idea de construir a partir de estos elementos.

luciana- Eso por ser público y sentir la frustración de que muchos coreógrafos crean con el cuerpo pero la danza es algo visual tambien. Se siente pero se ve. Me interesa por algo estético, me parece importante.

Público- Yo quería decir que las bailarinas me parecieron excelentes, y resaltaron la obra. Quería preguntarte como fué el proceso con ellas con respecto a las bailarinas en USA.

luciana- Para mi fue como volver a casa, familiar, porque las conozco a todas, tengo una relación con ellas de antes. Fue como muy fácil. Cuando la hice en USA, tenía menos experiencia y trabajé con bailarinas con las que no tenía la misma relación. Aunque no tenemos largos tiempos de estar juntas hay como una historia que he tenido con ellas. Por ejemplo esta parte final que están tarareando en Un retorno, lo cambié acá. El final en USA era con mi voz grabada cantando la canción. Esa canción acá tiene otro significado, lo charlamos mucho con ellas y se cambió. Para mi fue una experiencia increíble y espero que sea el comienzo de mas cosas juntas.

Lucía- ¿A qué te referís con el bailarín como trabajador?

luciana- En el mundo de la danza está esa estructura del director y el bailarín. El bailarín lleva a cabo el trabajo que dice el director, es como el obrero, el que hace el servicio. Es un trabajo muy sacríficado, no hay dinero, es menos considerado como artista, hay mucho esfuerzo. El que sube las escaleras y hace el trabajo es el cuerpo, el trabajador, el bailarín también.

Público- En la primera obra no te han planteado que es un poco el papel que le toca a la mujer que es explotada, violada. Me dio la impresión que por partes era un music hall, pero otras partes muy dolorosa. Pensé en muchas partes del mundo donde la mujer sufre, donde es muy maltratada, ultrajada. Me olvidé que estaban bailando.

luciana- Creo que está allí, no me planteé hacer algo para que la gente sufriera

Público- La sangre provenía de los bolsillos de los vestidos y de allí a las pareces. Es un mero facilismo que en algún lugar había que poner la pintura u ocurrió.

luciana- En realidad ocurrió, esa idea apareció a partir de que nos daban un espacio de exposiciones entre dos muestras, a dos coreógrafas. A mi me parecía hacer algo de danza en una galería vacía y usar las paredes un desperdicio y se me ocurrió poner manchas. La idea de que la sangre esté afuera del cuerpo, en los bolsillos, es porque no es doloroso, porque es una mentira, es teatro. Esa coreografía es muy fuerte pero es totalmente absurda. Lloran pero también se pueden estar riendo. Es como burlarse de uno mismo cuando uno es tan dramático.